Se você se interessa por cinema já deve ter ouvido falar, pelo menos uma vez, a expressão mise-en-scène. Apesar de ser muito aplicada no meio cinematográfico, o que ela significa, de verdade? E qual é a sua importância para o cinema?
O termo vem de uma expressão teatral francesa que na tradução literal é “colocar no palco” - o que transpondo para o cinema seria “colocar na tela” -, e engloba todos os elementos reconhecíveis de um filme: cenário, atores, figurino, maquiagem, e até mesmo luz!
Resumindo, é tudo aquilo que aparece no quadro e a forma como ele é montado.
Contudo, a mise-en-scène não é um termo de produção.
Os diretores não dizem: "Ah! Vamos mudar a mise-en-scène hoje." Desde o processo de confecção dos cenários até a maquiagem feita nos atores, TODOS influenciam a mise-en-scène - sendo o diretor quem ordena mudanças ou aprova o trabalho.
O termo mise-en-scène costuma ser usado quando se discute a aparência geral de um filme. Estudantes e críticos de cinema estão familiarizados com a expressão e as utilizam frequentemente, porque ela também é usada para se referir a muitas cenas que estão dentro de um filme.
A mise-en-scène é um conceito complexo de se entender, mas é necessário observar que ela ajuda a ver o quadro como um todo, não apenas os elementos cinematográficos - como iluminação e ângulo de câmera -, mas o conjunto da obra, por assim dizer.
Durante as primeiras etapas de uma produção de cinema, o diretor e os designers se reúnem para determinar a aparência que a obra vai ter, bem como os sentimentos que eles pretendem despertar no público. Essa preparação toda garante que o filme alcance os impactos desejados. Confira os aspectos mais comuns da mise-en-scène abaixo:
Cenografia
É tudo o que se refere à decoração do set: como ele é montado, os móveis dispostos, os objetos utilizados, e o próprio set em si. O set de filmagem pode se estabelecer em um local existente, ou ser construído dentro de um estúdio.
Os adereços são muito importante porque eles podem ajudar a dar o “tom” de cada cena: cigarros e garrafas de bebida espalhadas, por exemplo, já vão entregar ao público o estado emocional de um personagem.
Ao invés de apenas colocar objetos aqui e ali, tudo é pensando em como esses elementos podem ter outros significados para quem assiste à obra.
Figurino e Maquiagem
É o aspecto da mise-en-scène mais facilmente identificado por todos. Advogados usam ternos, enfermeiras e médicos usam jaleco, e por aí vai.
Ele inclui também cabelo e maquiagem, e são usados para mostrar a personalidade dos personagens, seu status, ou para apontar essas diferenças entre outros personagens. Os trajes também indicam em qual época a história do filme é contada.
Em filmes biográficos, por exemplo, as roupas são importantes para fazer com que um ator se pareça com o personagem histórico. Em "Frida" (2002), a atriz Salma Hayek, além de vestida com trajes mexicanos da década de 40, também recebeu uma maquiagem bem aplicada que a fez mais parecida com a pintora Frida Kahlo.
As roupas também podem ser usadas para estabelecer o nível hierárquico de alguém. E as cores podem distinguir um inimigo de um amigo. Em “Três Homens em Conflito” (1966), surge uma situação cômica quando Blondie (Clint Eastwood) se dirige para a cavalaria inimiga coberto de poeira.
Iluminação
Um dos elementos mais importantes e com o maior poder de evocar emoções. A iluminação é manipulada com muito cuidado para alcançar os objetivos do diretor com o filme.
A técnica mais utilizada no cinema é a Three-Point Lighting - iluminação de três pontos -, que é um arranjo de key, fill, e backlight, proporcionando uma iluminação uniforme da cena. Com essa técnica, a luz vem de três direções diferentes para transmitir uma sensação de profundidade no quadro.
Temos também outros estilos, como o High-Key Lighting, que deixa as cenas muito mais brilhantes, quase sem sombras, e é usado mais em comédias e musicais; e o Low-Key Lighting usado em filmes noir, que é o oposto do high key, e enche o quadro de sombras.
Uma boa iluminação ajuda a compor cada quadro, as áreas mais claras ou as mais escuras guiam nossa atenção da cena, destacando algum objeto ou deixando nas sombras algo suspeito.
Espaço
1. Deep Space / Espaço profundo
Um filme usa o espaço profundo quando há componentes importantes, tanto perto quanto longe da câmera. É usado para destacar a distância entre objetos e/ou personagens.
2. Shallow Space / Espaço raso
Em um espaço raso, a imagem aparece plana ou bidimensional.
3. Offscreen Space
O espaço fora da tela é aquele que não está fisicamente presente no quadro. O espectador se torna consciente de algo fora do quadro através da resposta de um personagem a esse algo.
4. Frontality /Frontalidade
É a conhecida quebra da quarta parede, quando os personagens estão diretamente voltados para a câmera e se dirigem diretamente ao espectador. Temos como exemplo, Curtindo a Vida Adoidado (1986) e o recente Deadpool (2016).
Atuação
E por último, mas não menos importante, a atuação! O desempenho de um ator ou atriz significa tudo para o andamento de um filme, independentemente da história. É dever do ator dar vida a seu personagem, com gestos, expressões, entonação de voz e o que for necessário para atingir o público em sua totalidade.
Fonte:
Resumindo, é tudo aquilo que aparece no quadro e a forma como ele é montado. 
Os diretores não dizem: "Ah! Vamos mudar a mise-en-scène hoje." Desde o processo de confecção dos cenários até a maquiagem feita nos atores, TODOS influenciam a mise-en-scène - sendo o diretor quem ordena mudanças ou aprova o trabalho. 
O termo mise-en-scène costuma ser usado quando se discute a aparência geral de um filme. Estudantes e críticos de cinema estão familiarizados com a expressão e as utilizam frequentemente, porque ela também é usada para se referir a muitas cenas que estão dentro de um filme. 
Ao invés de apenas colocar objetos aqui e ali, tudo é pensando em como esses elementos podem ter outros significados para quem assiste à obra. 
Ele inclui também cabelo e maquiagem, e são usados para mostrar a personalidade dos personagens, seu status, ou para apontar essas diferenças entre outros personagens. Os trajes também indicam em qual época a história do filme é contada. 
A técnica mais utilizada no cinema é a Three-Point Lighting - iluminação de três pontos -, que é um arranjo de key, fill, e backlight, proporcionando uma iluminação uniforme da cena. Com essa técnica, a luz vem de três direções diferentes para transmitir uma sensação de profundidade no quadro. 
Uma boa iluminação ajuda a compor cada quadro, as áreas mais claras ou as mais escuras guiam nossa atenção da cena, destacando algum objeto ou deixando nas sombras algo suspeito. 
Um filme usa o espaço profundo quando há componentes importantes, tanto perto quanto longe da câmera. É usado para destacar a distância entre objetos e/ou personagens. 
O espaço fora da tela é aquele que não está fisicamente presente no quadro. O espectador se torna consciente de algo fora do quadro através da resposta de um personagem a esse algo. 
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